Dans l’histoire de l’art depuis les années 70, peu de mouvements permettent une cohérence théorique de la production : il y eut la Transavangardia en Italie, repérables dans les films de Dario Argento, le Nouvel Expressionnisme allemand, témoin Julian Schnabel, (passé aux USA il réalisa Basquiat). Les autres artistes de cette tendance, Baselitz, Kiefer, Lüpertz, très médiatisés ont pulvérisé les cotes du marché. La galerie de la maison de The ghost writer, Polanski, 2010 contient des (vraies/fausses?) peintures de Kiefer, Gerhard Richter, plus Cy Twombly, années 75/80 pour tous. Robert Longo, autre « nouvel expressionniste» réalisa Johnny Mnemonic en 95.
Le « post-pop » tendance « funk » revisite et recycle les icônes déjà connues, il a eu le « trash » et la « bad painting » et la « nouvelle figuration » qui combine le geste et les signes de la modernité. L’art des rues se manifeste à la fin des années 70, on le voit dans les décors urbains, bien avant que le cinéma ou les galeries ne s’en emparent : Colors, D. Hopper, 1988, pour son double usage, pictural et cinématographique. Le film tourné avec Basquiat en 1980 (Downtown 81) ne sera visible que trente ans plus tard.
Cet artiste fut classé « expressionniste » par certains critiques.
La construction d’un stéréotype et sa permanence dans le cinéma de fiction.
L’expressionnisme donc : des acceptions historiques, dont le qualificatif provient comme pour la plupart des « ismes » de la critique d’art. Puis le terme très général s’applique à toute oeuvre dont la forme, quel qu’en soit le sujet, outrepasse le réalisme.
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| Heckel: le sculpteur sur bois. |
Le groupement des artistes, peintres et sculpteurs en Allemagne au début du XXe siècle détermine un premier mouvement historique : l’oeuvre des membres de « Die Brücke », (Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff) théorise la facture plastique (traces de l’outil et violence chromatique) plus que le sujet, et par contamination, les « fauves » furent assimilés dans le mouvement. Edward Munch fut associé, d’autant qu’il ne trouva d’écho qu’en Allemagne. Kandinsky et Nolde furent aussi embarqués en 1912 quand le groupe initial avait déjà fait sécession.
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| De Kooning: Two women on a warf, 1949 |
Dans les années 40, aux États-Unis le terme « expressionnisme abstrait » à été appliqué aux artistes de l’École de New York, « abstraction gestuelle », « action painting », théorisés par les critiques.
Pollock fut doublement concerné, en raison de son inspiration psychanalytique, et le geste du « dripping ». Ses autres collègues, Gorky, Motherwell, De Kooning, venu du nord, qui pourtant « massacra » la figure féminine ont été épargnés dans les films.
Dans New York Stories, Scorcese, 1994, Chuck Connelly, auteur des peintures se qualifie lui-même de peintre expressionniste...
Cinéma
Pour les débuts du cinéma allemand, le terme d’expressionnisme a recouvert la production des années 20, non sans raison, puisque les décors de Caligari reprenaient les distorsions perspectives des formes dans les décors, les contrastes noir/blanc issus de la gravure sur bois...
Les sujets, la psychose du mal et du meurtre, (allégorie d’une situation politique) ont noué un lien définitif entre la plastique et le sens.
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| Wax Museum, Curtiz, 1934, l'assistant d'gor |
L’influence des films allemands, après l’exil des auteurs marque les débuts du parlant aux États-Unis dans le film noir et le cinéma fantastique.
Ultérieurement, dans le genre thriller, la place de l’artiste est fondamentale : la psycho-pathologie issue de la tradition du film d’horreur, mais aussi du mythe de l’artiste maudit condense des pratiques dites « expressionnistes ». Que ce soit a posteriori dans les biopics, ou dans les fictions.
Expressionnisme/ Hyperréalisme.
Le paradoxe, pour le plasticien, est la confusion des termes hyperréalisme et expressionnisme.
L’expressionnisme se rapporte aux effets de geste et traces des procédés, alors que l’hyperréalisme procède de l’empreinte : la photographie et le moulage assurent la même conformité au réel. C’est alors l’illusion de vérité qui fait l’expression du modèle, et non la distorsion du geste : les sculptures de Duane Hanson ou John De Andrea sont issues des mêmes opérations techniques que le musée Grévin, alors que les moulages de George Segal dénoncent leur mode de fabrication. (voir After Hours, Scorcese, 1988 pour la version gag.)
Tous les films d’horreur des débuts du cinéma ont ainsi mis en exergue des artistes fous, en quête de la recherche de la ressemblance la plus authentique, mimétique, ou psychologique du modèle.
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| Wax Museum, l'atelier. |
conserve des décors très « Langiens », pour un grand Guignol hyperréaliste. Igor crée ses « enfants ».
En revanche, en peinture, la dé-figuration est fondée sur la facture gestuelle et la couleur :
Les portraits de famille de la Chute de la maison Usher, Corman 1962, d'après Edgar Poe, se réfèrent aux effets de l’expressionnisme du début XXe. L’auteur des regards hallucinés, Burt Schoenberg, connaît ses classiques. Portrait de poète romantique "gothisé" , emprunts aux chevelures flamboyantes des femmes
D'Edvard Munch,
et peut-être citation des peintures visionnaires de Arnold Schoenberg, le musicien.
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| Munch: Le vampire, 1906 |
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| Arnold Schoenberg, "le regard rouge", 1910 |
et peut-être citation des peintures visionnaires de Arnold Schoenberg, le musicien.
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| La chute de la maison Usher, Corman. |
Merci aussi à Vincent Price, pour tous ses rôles fantastiques, sans interruption jusqu’à l’inventeur chez Tim Burton.
C’est donc la jeune génération, cinéma indépendant, et « l’écurie Corman » qui renouvela le genre horreur.
Puisque chez Pollock, ça coule, et chez Segal, ça momifie, on peut coupler le corps, le geste meurtrier et le sang.
Ainsi dans « A bucket of blood » (Un baquet de sang) Roger Corman, 1959, met en scène un minable, jaloux des artistes d’une communauté hippie, haranguée par un double de Walt Whitman.
Succès critiques. Interprétations dignes des historiens:
Dans les galeries, la sculpture de George Segal fait recette.
La supercherie découverte (citation des scènes des Wax museums)
il se pend.
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| A bucket of blood. |
Résumé rapide du devenir artiste.
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| Ferrara: Driller Killer |
Après lui, Abel Ferrara tourne « Driller Killer » en 80, de la peinture figurative au « gore ». (voir infra)
Cependant que les expositions des corps plastinés de Van Hagens font scandale.
Les arrêts sur images, avec ou sans sous-titres peuvent être confrontés à quelques textes.
Les scénaristes ayant largement travaillé sur les mêmes concepts, les dialogues coïncident, non sans ironie, avec la théorie.
Théories
Ce qui nous ramène à l’essence de l’expressionnisme, et ses fondements analytiques. L’oeuvre est une projection matérielle et iconique de l’artiste.
Si l’art validait d’abord une théorie de la sublimation chez Freud, l’activité a été rapportée à la pulsion, au ça. Puis au fétiche pour Lacan. Les théories ont été longuement revues par les critiques d’art, en particulier dans les années 70, et les névroses affectées rétroactivement à des artistes d’avant même le XIXe siècle. La « mythification » dont a été victime Le Caravage, peintre assassin, additionnée à la question de l’angoisse et des troubles psychiques de quelques artistes autorise les cinéastes à jouer sur les deux tableaux : l’artiste est un tueur pervers et/ou suicidaire... Deux expositions au Musée du Louvre dont « La peinture comme crime », en 2002, ont réévalué les œuvres « classiques » selon ce point de vue. Les conservateurs seraient-ils cinéphiles ; nul ne le sait.
Jacques Henric, dans La peinture et le mal (Grasset, 1983) s’appuie sur George Bataille ( La littérature et le mal) qui analysait Baudelaire et Antonin Artaud.
Argumentaire principal : la peinture comme « champ du désordre et de l’anarchie », donne la préférence pour des peintres de la touche et de l’empâtement : la chair.
C’est, pour Henric, ce qui relie le champ de la peinture, précisément, au catholicisme, et à une pensée judaïque récurrente, celle de la culpabilité.
Henric écrit : « Le tableau de chevalet exige un tout autre type d’investissement sexuel et de relation subjective aux formes et aux couleurs (p.22); attestant de l’irruption d’une dissonance dans l’homme ».
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| Bucket of blood |
Irruption de la nuit. « Découverte de l’arrachement de la peau, que donner la vie c’est alimenter l’interminable boucherie qu’on appelle l’existence, que toute naissance tient du crime... ». Le chevalet est un instrument de torture pour l’écartèlement du sujet divisé. On peut considérer alors la transgression morale comme concomitante de la transgression des normes plastiques, et le travail de l’impossibilité de finir, ou d’être satisfait, une angoisse existentielle.
La pratique plastique comme geste et comme rituel
L’œuvre peinture ou autre provient d’une activité psychique, les images devenant l’exutoire de la pulsion qui nécessairement entraîne une compulsion de répétition : en psycho pathologie, c’est un processus incoercible d’origine inconsciente par lequel le sujet se place activement dans des situations pénibles répétant des expériences anciennes ( sans se souvenir du prototype et avec au contraire l’impression vive qu’il est pleinement motivé dans l’actuel).
En tant qu’acte gestuel à réitérer dont le temps de réussite est très restreint, l’image n’a pas de sens au-delà de l’acte et de la pulsion qui le produit. La scène d’atelier est alors nécessaire :
Quand Pollock invente sa forme, de nuit, en ombre portée,
Bien évidemment rapportés à une activité corporelle tirée vers le bas.
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| Michaelangel, Cowe, 99 |
En revanche, dans La trace de l’ange : parodie gore, le rituel religieux est mis en avant parce que c’est dans la transsubstantiation du matériau que fonctionne l’image.
Il est donc nécessaire pour le cinéaste d’en monter plus, ce qui fait par là passer le récit dramatique dans la catégorie du gore. L’ inmontrable est le corps ouvert.
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| Basquiat: CrisisX, 1982 |
La référence à la crucifixion est fréquente dans l’art contemporain. Francis Bacon évoquait le modèle de la peinture de Grünewald : la chair doit être torturée, purulente et sanguinolente. C’est le sujet qu’on voit cité dans les thrillers : Dans l’Exorciste une gigantesque reproduction de Mantegna, ou dans le Silence des agneaux, le corps du garde écartelé.
Hannibal Lector est aussi dessinateur de vues d’Italie romantiques ! Et dans Driller Killer, la posture des victimes, en rapport avec la première image. Et aussi dans le travail de Basquiat.
Le paradigme d’une mystique de la torture (l’horreur/l’extase) fonde le rapport entre peintre et sujet, le drame intérieur ; le déchirement qui traverse l’artiste dans l’élaboration de l’oeuvre en cours est l’un des pôles de l’expressionnisme; il ne s’agit pas de la forme visible mais du travail intérieur, dont l’image n’est qu’un indice et la résultante.
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| Driller Killer : le derelict cloué au mur. |
Sérialité : La question est « d’infinir ». Dans le thriller, surtout. Les reprises incessantes, les "repentirs" sont une manifestation de ce doute, et les ébauches, un autre symptôme de cette impossibilité d’accéder à une forme de satisfaction. (Un article récent donne Matisse comme un « serial painter », par chance très pacifique. On pourrait en dire autant de Soulages. Ce qui prouve que le cinéma influence la critique d’art...).
Pour le spectateur aussi, le film comme l’art qu’il met en scène, consiste en une construction imaginaire d’un scénario dramatique. La personne s’y intègre soit comme spectateur ou acteur observateur, le temps, faut-il l’espérer de la projection (aux deux sens du terme). Le scénario figure l’accomplissement d’un désir ou d’un désir inconscient. Car, selon Christian Metz : le film lui- même fonctionne comme fétiche et comme fantasme. (Le Signifiant imaginaire, 1977)
Peut-être celui de se vivre artiste :
Le meilleur exemple récent d’identification au modèle : « Faites le mur » Bansky, 2010. Un film qui a le mérite de critiquer les aspects économiques d’une pratique contemporaine.
( à suivre).
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